Dica - CHORAR

Olá galera! A paz do Senhor!

Segue abaixo um texto com um método de se chorar em cena. Este texto foi retirado do blog de Lionel fischer (o blog está na lista de sites sugeridos). Espero que gostem e "chorem muito" (interpretando, né...).

Grande abraço!

Pedro Rois

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Há poucas regras minuciosas para se comunicar a emoção num palco. Mas há alguns métodos eficientes, que serão discutidos em seguida. Descubra qual deles funciona para você e bom proveito. Seu diretor dificilmente terá tempo para chamá-lo num canto e explicar-lhe como expressar uma determinada emoção. Lembre-se de que você estará no palco com outro ser humano. Seria terrível ter de contracenar com um ator auto-indulgente, cujo riso ou choro o deixasse com o fracasso estampado no rosto. Tarefas físicas ou emocionais no palco não constituem objetivos ou resultados em si; elas devem ser vistas como resultados naturais, que se desenvolvem a partir de determinados objetivos e do partilhar de momentos dramáticos entre colegas atores.

"CHORAR"

Procedimento - sente-se em posição relaxada. Tente se lembrar de um acontecimento triste do passado recente. Nesse processo de lembrança, procure se concentrar nos aspectos sensoriais do mesmo, recriando os momentos mais intensos de sua dor em associação com os cheiros, gostos, sons e percepções visuais que o afetaram naquele momento. Tente centrar a sensação na área pélvica e "dirija" a respiração para esta área de maneira lenta e ritmada, à medida que vai se lembrando das imagens sensoriais.

Boceje e procure manter a sensação do bocejo em sua garganta durante a inalação e a exalação. Faça isso durante um minuto. Em seguida, comece a vocalizar a inalação suavemente. Pense na exalação como a maneira de se relaxar, a fim de propiciar o processo de vocalização. Deixe sua inalação passar pelas cordas vocais produzindo assim um gemido suave. Faça isso durante um minuto, lembrando-se de manter a sensação de bocejo na garganta. Chegue ao clímax do exercício acelerando o ritmo e arfando a cada inalação até chegar ao ponto máximo, sem muito esforço. Tente escontrar um ritmo staccato próprio para a inalação. E, finalmente, enquanto estiver exalando, faça a devida vocalização, em forma de queixume. Alcançando o choro, vá diminuindo o ritmo fradativamente.

Discussão - a "memória sensorial" foi necessária? O ato de bocejar foi suficiente para umedecer os seus olhos? Você descobriu que manter o bocejo lhe dá uma sensação de ter um "nó na garganta"? Conscientemente procure produzir o mesmo som que conseguiu durante o exercício, mas use a exalação, ao invés da inalação.Qual dos métodos requer mais tensão? Usando a exalação para recriar o som faz você repuxar as cordas vocais? O som teatral do choro deveria ser conseguindo "exatamente aí", durante a inalação. Entretanto, a inalação poderá lhe dar a sensação de ter a garganta ressecada. Tente relaxar durante esse processo, de inalação, usando a exalação para aliviar a garganta.Engula e produza salivação, se sentir secura. E não tente com desespero.

Quanto maior for a intensidade do exercício, maior a intensidade dramática. Qual a diferença entre um som contínuo e um som staccato? Procure fungar pelo nariz em intervalos entrecortados. Isto faz o choro parecer mais real? Contagia a platéia?

É imprescindível produzir lágrimas verdadeiras? Você poderia conseguir isto fazendo uso de truques requintados? Um ator não deve ter a obsessão de querer "chorar lágrimas de verdade". Lágrimas podem ser o produto de um objetivo frustrado que você está está tentando alcançar, mas concentrar-se exclusivamente nelas faz você negar a existência de outros atores que possam estar no palco com você. Há outras técnicas de chorar - olhar para dentro do "Leeko" (instrumento luminoso) fará, com certeza, com que lágrimas apareçam, mas também vai prejudicar a retina do seu olho. O ator nunca deve pôr em risco seu físico ou seu bem-estar em prol do "sucesso do espetáculo".

Chorar também oferece alguns perigos. Você tem que saber quando termina o choro e quando começa a auto-piedade. A platéia não vai querer entrar em contato com ela. Chorar no palco pode ser muito bonito, dependendo de sua atitude. Se você usa o choro para chamar a atenção da platéia sobre você, então não mais estará contracenando com os colegas. Um crítico experiente vai chamar isto de "golpe baixo".

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Artigo extraído de "The Student Actor's HandbooK", L. J. Dezseran; Mayfield Publishing Co., 1975. Tradução de Thaís A. Balloni. O presente artigo, aqui reduzido - o restante está focado no riso - consta da edição da revista Cadernos de Teatro nº 82/1979.

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Trechos do livro "Manual do Ator" - Stanislavski

Olá galera! A paz do Senhor!

Segue alguns trechos de um dos livros de Constantin Stanislavski, "Manual do Ator". Muito bom!

Grande Abraço

Pedro Rois

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Trechos selecionados do livro "Manual do Ator" de Constantin Stanislavski

       As ações criam a vida física de um papel

Um papel em um espetáculo, mais do que a ação na vida real, deve ser uma fusão das duas vidas - a da ação exterior e a da ação interior - num esforço mútuo que visa a alcançar um determinado objetivo. Sintam-se, ainda que parcialmente, em seu papel, e deixem que seu papel sinta-se, ainda que parcialmente, em vocês mesmos: isso é para que vocês consigam vê-lo.

       Aqui e agora

Pensem sempre nisso na hora de interpretar um personagem: o que EU faria aqui e agora, SE na vida real, tivesse que agir em circunstâncias parecidas àquelas determinadas pelo meu papel?

       Arrebatamento interior

Um verdadeiro artista deixa-se arrebatar por tudo que acontece ao seu redor. Não se pode ser frio quando se trabalha com arte. O entusiasmo artístico é a força motriz da criatividade.

       Atitude amadorística

O pior inimigo do progresso é o preconceito. Não pode existir arte alguma sem virtuosismo, prática e técnica, tanto mais necessários quanto maior for o talento. Os amadores rejeitam a técnica numa atitude que não reflete suas convicções conscientes, mas sim e tão somente uma preguiça desenfreada. Sem um completo e profundo domínio de sua arte, o ator é incapaz de transmitir ao espectador tanto a concepção e o tema quanto o conteúdo vivo de qualquer peça. Ator, senhor de sua arte.

       Ator em seu papel

Em seu íntimo, paralelamente à linha das ações físicas, os atores possuem uma linha contínua de emoções que beiram as raias do subconsciente. Trabalhem para chegar ao ponto de assumir corretamente um novo papel, como se este fosse a sua própria vida. O ser recém-nascido criados por vocês se tornará alma de sua alma e carne de sua carne. Personagem + Ator = uma nova alma única pulsante no mundo.

       Autocrítica

Temam os seus admiradores! Aprendam a entender e a amar a verdade cruel a respeito de si próprios. Falem a respeito de sua arte somente com aqueles que podem lhes dizer a verdade. A maioria dos atores tem medo da verdade, não por serem incapazes de suportá-la, mas porque ela pode destruir, no ator, a fé que ele tem em si próprio.

       Clareza

As ações devem ser claras como as notas de um instrumento, de outra forma estarão sujeitas, tanto interior quanto exteriormente, a serem indefinidas e desprovidas de arte. O acabamento é essencial. O erro dos atores consiste em não se preocuparem com a ação em si, mas com seus resultados.

       Comunhão

Quando falarem com a pessoa com quem estiverem contracenando, aprendam a manter sua atenção fixa, até certificarem-se de que seus pensamentos penetraram no subconsciente de seu coadjuvante. Por sua vez, vocês devem aprender a assimilar, a cada vez como se fosse a primeira, as palavras e os pensamentos de seu coadjuvante, para cujas falas devem estar muito atentos, mesmo que as tenham ouvido inúmeras vezes nos ensaios e nas representações diante do público. Esta relação deve estabelecer-se cada vez que atuarem juntos e isto requer uma grande concentração de atenção, técnica e disciplina. Se um ator tem que ouvir, que haja intenção no seu ato. Se tiver que olhar para algum lugar, que use plenamente os seus olhos.

       Emoções teatrais

Emoção teatral é uma espécie de imitação artificial da periferia das sensações físicas. Ou o ator pode sentir tão intensamente a situação da pessoa num papel, que acaba colocando-se no lugar desta pessoa.

       Ensaio

Alguns atores têm o hábito intolerável de ensaiar num tom de voz baixo quando estão dizendo suas falas. Um ator é obrigado a representar plenamente o seu papel. De outra forma o ensaio perde o seu sentido. Se os atores chegarem adequadamente preparados para o ensaio (corpo, voz, intenção) estabelecer-se-á uma esplêndida atmosfera de trabalho. Só os diretores sabem quanto trabalho, inventividade, paciência, desgaste e tempo são necessários para fazer com que esses atores dotados de fraco impulso criaitvo sejam estimulados a ultrapassar os limites de seu ponto morto. Não se pode ensaiar às custas dos outros. Atores não são marionetes.

       Forças motivadoras interiores

O primeiro e mais importante mestre é o sentimento. Que, infelizmente, não é manipulável. O segundo mestre é a mente. E o terceiro é a vontade. Esses três mestres interiores são os motores que nos impelem na nossa vida psíquica na criação de um personagem.

       Imaginação

Não podemos atuar diretamente sobre as nossas emoções, mas podemos atuar diretamente sobre as nossas fantasias criadoras; por sua vez, estas estimulam nossa memória ou memória afetiva, evocando, de suas profundezas secretas, fora do alcance da consciência, elementos de emoções já experimentadas, e reagrupando-as de forma a corresponderem às imagens que surgem em nós. Em cena, nenhum passo deve ser dado sem o auxílio de sua imaginação.

       Mágico SE

Para envolver-se emocionalmente com o mundo imaginário que o ator cria numa peça, e para deixar-se envolver pela ação em cena, ele deve acreditar no que faz. Ele (ator) deve perguntar-se: "Se tudo isso fosse real, de que forma eu reagiria? O que é que eu faria?" Este Se funciona como uma alavanca que lhe permite alcançar um mundo de criatividade.

       Olhos

Quantas vezes nós, atores, estamos em cena e não vemos nada! Um olhar vazio faz com que o espectador não se concentre no palco. Não preciso dizer-lhe que o olho é o espelho da alma. O olhar vazio é o espelho de uma alma vazia. O ator precisa SUSTENTAR o seu olhar.

       Pausas nas falas

A pausa psicológica dá vida aos pensamentos. Se a ausência da pausa lógica torna a fala ininteligível, sem a pausa psicológica ela não tem vida.

       Talento

A técnica existe, sobretudo, para aqueles que possuem talento e inspiração. Quanto mais talentoso for o ator, mais ele se preocupará com a sua técnica. Em nossa arte é muito perigoso amadurecer rápido demais, sem esforços decididos.

"Eu cuido bem da minha voz??"

Olá ! A paz do Senhor!

Segue um pequeno teste para você saber se cuida bem da sua voz.

Grande abraço!

Pedro Rois

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Questionário: Eu cuido bem da minha voz??

Responda as questões a seguir como uma forma de auto-avaliação sobre o cuidado que você tem com sua voz.

  1. Você percebe se ao final de um dia de trabalho (ou apresentação) sua voz está mais fraca?
  2. Você canta em diversos tons?
  3. Quando você canta, leciona ou fala em público, suas veias ou músculos do pescoço saltam?
  4. Você sente dores na região do pescoço?
  5. Após cantar você sente dor de cabeça?
  6. Quando você canta acompanhando um cd, por exemplo, você segue sempre o tom do cantor?
  7. Você canta freqüentemente?
  8. Você canta ou ensaia durante horas seguidas?
  9. Você tem resfriados freqüentes?
  10. Você fuma?
  11. Você pigarreia muito?
  12. Você tem alergia das vias respiratórias?
  13. Você tem faringite, amigdalite ou laringite freqüentes?
  14. Você se auto-medica quando tem problemas na voz?
  15. Você tem dificuldades digestivas? (azia, úlcera, refluxo gastresofágico)


· SE VOCÊ MARCOU MAIS QUE 4 ITENS FIQUE ATENTO E PROCURE TOMAR ALGUMA PROVIDENCIA NO SENTIDO DE MODIFICAR SEUS HÁBITOS.
· SE VOCÊ MARCOU MAIS DE 6 ITENS PROCURE UM ESPECIALISTA PARA QUE ELE AVALIE O ESTADO DE SUAS PREGAS VOCAIS POIS COM ESTES SINTOMAS VOCÊ JÁ TEM QUE FICAR ATENTO PARA QUE NÃO OCORRA PROBLEMAS MAIORES FUTURAMENTE.

A Voz

Olá galera! A paz do Senhor!

Segue, logo abaixo, um texto sobre aperfeiçoamento vocal. Este texto faz parte do material de um curso ministrado por Daniela Menezes.

O aperfeiçoamento vocal é de extrema importância para o ator e todas as pessoas que utilizam a voz profissionalmente. E, terminando de ler este material e praticando o que for apresentado nele, não parem por aí. Continuem a aperfeiçoar a sua voz e seus conhecimentos acerca desta poderosa ferramenta, pois por meio dela é que nós vamos até o povo para evangelizar, levar a mensagem de Jesus Cristo. Devemos estar sempre nos aperfeiçoando para obra de Deus, para que um dia cheguem a nós, da mesma forma que chegaram para João Batista (Jo 1. 22), e perguntem “Quem é você?” e, então, respondamos “Eu sou a voz que clama no deserto: Façam um caminho reto para o Senhor”.

Grande Abraço!

Pedro Rois

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Capítulo 1: Dicas Iniciais

1ª Parte – Noções Básicas sobre a Produção do Som

Para que consigamos produzir o som através da nossa voz, recorremos a vários órgãos do nosso corpo que trabalham conjuntamente para viabilizar este processo. São eles: o Aparelho Respiratório, a laringe, as pregas vocais, os ressonadores, (como a cavidade nasal, a cavidade craniana, a cavidade toráxica, a cavidade bucal e a faringe), os articuladores (língua, lábios, palato duro (céu da boca), palato mole, dentes e mandíbula.
A produção do som acontece quando o ar ao ser expirado, passa pelas pregas vocais fazendo-as vibrar. Neste momento entram em ação os articuladores cuja função, neste contexto, é levar o som para as cavidades de ressonância.
Como vemos, não cantamos ou falamos "pela garganta" como muitos pensam, e sim com todo o conjunto de órgãos que se interligam são os responsáveis diretos pela transformação do ar inspirado em som. A esse conjunto de órgãos poderemos chamar de "Aparelho Fonador".    

Já ouviu falar em cantar com o diafragma? Respirar movimentando a barriga e não o peito?

VOCÊ SABIA QUE...

* Pregas vocais é o nome correto e não "cordas vocais", pois tratam-se de pregas de tecido fibro-elástico e muscular revestidas por uma mucosa.

* A pessoas que necessita do uso mais intenso da voz, devem conscientizar-se que há um considerável gasto de energia neste evento, sendo de grande importância a ingestão de alimentos de fácil digestão antes das atividades vocais, como frutas.    

1ª Parte – Saúde Vocal

Neste capítulo iremos apresentar hábitos e alimentações saudáveis ou não para uma boa higiene vocal. Prestem bastante atenção e vamos, desde já, procurar cuidar bastante do nosso instrumento de trabalho que é precioso e único, nosso Aparelho Vocal.

        :] Permitido   :| Evitar :(  Proibido

:] Beba bastante água em temperatura natural! (no mínimo 2 litros por dia) para manter as pregas vocais hidratadas e em boa condição de vibração.

:] Coma maçã! A maçã possui propriedades adstringentes que auxiliam na limpeza da boca e da faringe, favorecendo uma voz com melhor ressonância.

:] Beba suco de frutas! (Principalmente de frutas cítricas)

:| Evite usar roupas apertadas, principalmente nas regiões do abdômen, cintura, peito e pescoço, pois isso poderá dificultar a respiração

:( Não use pastilhas, sprays, anestésicos sem orientação médica, pois para cada caso existe uma medicação específica, portanto não se automedique nunca!

:| Evite alimentos gordurosos e "pesados" antes das apresentações, pois dificultam a digestão.

:] Dê preferência aos alimentos leves e de fácil digestão (verduras, frutas, peixe, frango)

:] Durma bem! Procure dormir, no mínimo, 8 horas por dia.

:( Não durma de estômago cheio pois pode provocar refluxo gastresofágico que é altamente prejudicial às pregas vocais.

:| Não cante se estiver doente! Quando cantamos envolvemos todo o nosso corpo e gastamos muita energia, então recupere-se antes de voltar a cantar.

:| Evite ficar exposto por muitas horas em ambiente que utiliza ar-condicionado pois provoca o ressecamento das pregas vocais. Em casos onde isso não for possível, procure estar sempre lubrificando as pregas vocais com água ou suco sem gelo.

:( Evite ambiente com mofo, poeira ou cheiros muito fortes, principalmente se você for alérgico.

:( Evite a competição sonora, ou seja, falar ou cantar em lugares muito barulhentos.

:| Evite choques bruscos de temperatura

:| Evite bebidas geladas

:| Evite cochichar pois, ao contrário do que pensamos, no ato de cochichar submentemos nossas pregas vocais a um grande esforço provocando um desgaste muitas vezes maior do que se conversarmos normalmente.

:( É proibido gritar, pigarrear, falar durante muito tempo sem lubrificar as pregas vocais, fumar, ingerir bebidas alcoólicas antes de cantar para "melhorar" a voz.

IMPORTANTE!!!

Se você utiliza sua voz profissionalmente, é indispensável a consulta com um médico especialista para que ele possa fazer uma avaliação do seu aparelho vocal.

Não se esqueça de que o nosso "instrumento de trabalho" é único e merece toda a nossa dedicação e atenção.

Nossas pregas vocais são a nossa identidade, são nosso registro pessoal, portanto não se esforce para cantar músicas em tons que não lhes são confortáveis pois assim você estará prejudicando-as.

3ª Parte – A Postura Ideal

Devemos estar atentos a alguns aspectos relacionados à postura no canto:

- Os pés devem estar afastados na direção dos ombros

- Coluna reta Ombros e braços relaxados a fim de não tencionar o pescoço

- Queixo reto, olhando sempre para frente

- Não fixar o olhar em nenhum ponto para não perder a concentração

Podemos também cantar sentados observando:

- Sentar na ponta da cadeira sobre os ossos das nádegas (faça o movimento para os lados, como uma canoa e verifique se está na posição correta)

- Manter a coluna e o queixo retos

-  Braços e ombros relaxados

4ª Parte – A respiração "Respirando bem, cantamos bem"  

Para uma boa projeção da voz no canto, é necessário obter o controle da respiração. Para realizarmos uma respiração correta, devemos estar numa postura adequada, pois a postura e a respiração andam juntas.
A inspiração deverá ser sempre nasal, pois o nariz funciona como um filtro de ar. Se inspirarmos pela boca, estaremos inspirando todas as impurezas podendo ocasionar doenças inflamatórias do aparelho respiratório.
Caso você não consiga respirar pelo nariz, sugiro que procure imediatamente um médico especialista.

Utilizaremos para o canto a respiração chamada diafragmática, costo-diafragmática, ou abdominal-intercostal.

1-  Devemos inspirar pelo nariz e canalizarmos esse ar em direção à região abdominal (enchendo a barriga de ar). É importante que os ombros e o peito não se movam.
2-  Expire pela boca observando que enquanto o ar é expelido a barriga vai esvaziando lentamente até chegar ao normal.

ATENÇÃO!!!

Cuidado para não utilizar o ar de reserva, ou seja, não pressione a barriga forçando-a a se esvaziar mais depressa que o normal pois este feito poderá causar mal-estar.    

EXERCÍCIO PARA CONTROLE DA RESPIRAÇÃO  

1- Inspire lentamente (pelo nariz) até encher bastante as paredes abdominais.
2- Coloque o dorso da mão em frete à boca e expire lentamente .
3- Observe que o ar expirado estará quente
4- Repita este exercício por 15 vezes (3 seqüências de 5) em frente a um espelho (de preferência vertical) para que você possa corrigir a postura e observar os ombros e peito (que não deverão se movimentar)
5- Lembre-se de que ao término de cada sequência, você deverá relaxar, respirar fundo, encher os pulmões e soltar o ar pela boca por 3 vezes para evitar mal-estar.  

LEMBRE-SE:

Este tipo de respiração é uma novidade para muitos de vocês, sendo assim, não deverá ser usada no dia-a-dia sem que haja necessidade.

Capítulo 2: O Pré-Aquecimento Vocal

O que é pré-aquecimento vocal?

É, como o nome já diz, um aquecimento prévio da voz ou simplesmente a preparação da voz para o seu uso por um tempo prolongado e intenso.

Podemos aquecer nossa voz através de sons que irão "massagear" nossas pregas vocais (que são músculos) que como todo músculo precisam ser preparadas e aquecidas antes de serem utilizadas na sua plenitude.

Lembrem-se que este pré aquecimento pode (e deve) ser feito não só pelos cantores mas também por todos os profissionais da voz, ou seja, todas as pessoas que trabalham falando.

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Exercícios de pré-aquecimento vocal

Estes exercícios servem para relaxar os músculos e limpar as vias que são utilizadas durante a reprodução dos sons.

 - Imitar som de abelha - 2 min - reproduzir o som : bzzzzz.... (até o ar acabar)
 - Vibrar a língua - 2 min - reproduzir o som : trrrrrrr.... (até o ar acabar)
 - Vibrar os lábios - 2 min - reproduzir o som : prrrrr... (até o ar acabar)
 - Imitar a vaquinha - 2 min - reproduzir o som : MMMMM...
 - Contar de 1 à 10, a cada número, aumentar gradativamente o volume da voz e na seqüência, contar de 10 à 1, a cada número diminuir gradativamente o volume da voz.

Observando a vida - Chaplin

Olá galera! A paz do Senhor!

Hoje estou postando um trecho de um livro sobre Charles Chaplin. Este trecho eu apresentei para a equipe teatral do Expressão de Louvor para incentivar a busca de aperfeiçoamento na expressão corporal. Bom texto, ótimo livro, grande exemplo de ator (Chaplin).

Grande abraço!

Pedro Rois

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Livro: “CHAPLIN - Por Ele Mesmo”

Capítulo: Capítulo 3 “O Meu Segredo”

Página: 67 e 68

 

[...] A pantomima é muito apreciada na Inglaterra e, sentindo-me inclinado para esta arte, fiquei muito contente por me poder dedicar a ela...

Sem minha mãe, todavia, pergunto-me se teria alcançado êxito neste gênero. Era o mimo mais prodigioso que vi. Ela ficava à janela durante horas, olhando a rua e reproduzindo com suas mãos, seus olhos e a expressão e sua fisionomia, tudo o que se passava embaixo,  e isto nunca acabava. E foi olhando-a e observando-a que não só aprendi a traduzir as emoções com minhas mãos e meu rosto, mas também a estudar o homem. Havia algo prodigioso na sua observação. Por exemplo: ela tinha visto Bill Smith passar na rua de manhã. E contava:” lá vai Bill Smith. Arrasta os pés e as botas não estão engraxadas. Parece zangado; aposto que discutiu com a mulher e partiu sem almoçar. A prova é que entra numa pastelaria para tomar um café e um pãozinho”. E, invariavelmante durante o dia, eu vinha a saber que Bill Smith discutira com a mulher. Esta maneira de observar as pessoas era a coisa mais preciosa que minha mãe poderia me ensinar, pois assim que observei o que parecia engraçado às pessoas. Por isso, quando apresento um dos meus próprios filmes ao público, vejo a fita com um olho e guardo o outro e os dois ouvidos para o público[...].

[...] Assim como observo, o público num teatro para ver o que faz rir, igualmente observo para achar as idéias de cenas cômicas. Um dia, eu passava junto de um quartel de bombeiros no momento em que se ouvia o sinal de fogo. Vi os bombeiros deslizando ao longo do mastro, correndo com a bomba e precipitando-se para o incêndio. Imediatamente, descobri toda uma série de possibilidades cômicas. Vi-me deitado, ignorando o alarme. Este ponto todos compreenderão, pois gostam de dormir. Vi-me escorrendo pelo mastro, fazendo festas aos cavalos dos bombeiros,  salvando a heroína caindo da bomba numa curva de rua,  e muitas outras coisas do gênero. Guardei-as no meu espírito e, mais tarde, quando fiz The Fireman, servi-me de tudo isso. No entanto, se nesse dia eu não tivesse reparado no quartel, não me ocorreriam, em seguida, todas as sugestões [...].



O estudo da ação - Stanislavski

Olá Galera! A paz do Senhor!

Hoje estou postando um texto sobre Constantin Stanislavski e o seu sistema de ensino sobre o estudo da ação. Texto extraído da apostila de "exames de capacitação profissional para Candidatos ao Registro Profissional de Ator" fornecido pelo Sindicato dos Artistas e Técnicos em Espetáculos de Diversões no Estado de São Paulo (SATED/SP)
Espero que gostem!

Grande abraço!

Pedro Rois

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Constantin Stanislavski

Constantin Stanislavski (1863-1939) foi ator e diretor de teatro na Rússia, mas tornou-se célebre ao usar a sua experiência como diretor e professor, para criar um sistema de ensino da arte de representar chamado “O Método Stanislavski”.

O trabalho do ator, segundo ele, não é mera imitação, será sempre o resultado de uma criação original. Mas o Sistema só tem utilidade quando se torna uma segunda natureza do ator, quando o ator deixa de se preocupar com ele e seus efeitos começam a aparecer naturalmente em seu trabalho.

O seu livro “A preparação do Ator” foi feito para servir de guia no trabalho de “interiorização” (preparação interior do ator), exercitando sua vontade, seu espírito e sua imaginação.   O segundo livro: ”A construção da personagem” trata da construção exterior da personagem, usando técnicas de preparação corporal (afinando os instrumentos do ator: treinamento do corpo e trabalho rigoroso da voz).

Até hoje, muitos se concentram no primeiro livro (A preparação do ator), da pesquisa interior, evitando e mesmo desprezando as  técnicas que foram tratadas  no segundo (A construção da Personagem), que trata da criação da personagem em termos físicos, de voz e fala, de movimento, de gesto, tempo e ritmo, e da visão total e perspectiva de uma peça ou de um personagem. Stanislavski considerava importante a formação total do  ator – intelectual, espiritual, física, emocional.

O método

A) A definição de Arte Dramática de acordo com Stanislavski:

“Arte Dramática é a capacidade de representar a vida do espírito humano em público e

em forma artística”.

B) Objetivos do Ator:

1- Convencer o espectador da realidade do que se imaginou para realização do espetáculo.

2- Mostrar o que o personagem quer, o que pensa, para que vive.

3- Revelar o rico e complicado mundo interior do homem.

4- Agir como personagem na base da simples lógica da vida real.

C) Objetivos do estudo no Teatro:

Estudar os processos naturais que regem a ação na vida real transpor isso para o trabalho do teatro.

Origem do método de Stanislavski: Estudo dos processos que regem a atuação dos atores inspirados ou geniais (ou das crianças, que são atores espontâneos). Através da inspiração eles adquirem fé no que é irreal e são induzidos a agir no irreal, ou seja, agir como personagem.

A ação é da personagem e não do ator – o ator aceita os problemas da personagem como se fossem dele próprio e então, para solucioná-los, age como tal.

Imitar a ação significa estudar as características da ação na vida real para depois transpô-la ao nosso trabalho no teatro.

Características da ação na vida real:

Para imitar a ação devemos estudar as seguintes características da ação na vida real:

1.  Lógica da ação - a ação sempre obedece à lógica, mesmo que o personagem seja um alienado mental, do ponto de vista do louco (personagem), existe uma lógica em suas ações. 

2.  Contínua e ininterrupta - a ação é sempre contínua e ininterrupta, nunca deixamos de agir, nem quando dormimos. 

‰ #Quando o ator representa a ação ele está no hoje que é conseqüência do movimento do nosso ontem em direção ao amanhã. Se o ator tem consciência que cada momento tem suas origens no passado e suas conseqüências no futuro, a ação se realiza automaticamente e o ator realmente exerce a ação contínua.

‰ #Nos intervalos, saídas de cena e pausas o ator deve se concentrar na ação anterior e posterior, para não perder a intensidade do personagem. 

 3. Ação interior (mental) e ação exterior (física) - Existem dois caminhos para se chegar a um personagem:

‰ #De fora para dentro: Trabalhar com disciplina e esmero todos os detalhes externos através da observação, da pesquisa e do exercício até conseguir uma reação do próprio emocional (apoio interior), condizente com a construção externa.

‰ #De dentro para fora: Buscar o sentimento, a emoção e os pensamentos do personagem usando a lógica e tendo como medida as próprias observações e experiências da vida real até conseguir que espontaneamente a ação exterior seja condizente com o que o que foi construído interiormente.

 4.  Objetivos da ação - Não existe ação sem objetivo. O personagem sempre quer alguma coisa. Mesmo no cúmulo da apatia, queremos não querer alguma coisa e num caso extremo o personagem pode nada querer da vida e nesse caso tem um objetivo: a morte.

Circunstâncias Propostas

Saber quem é o personagem em cujo nome estamos agindo:

A)  Como ele é: exterior, interior.

B)  Onde vive

C)  Porque vive

D) De onde veio

E)  Porque veio

F)  O que quer e o que não quer

Encontraremos as “Circunstâncias Propostas” no texto da própria peça e o que falta devemos completar com a nossa imaginação, dentro das características da ação na vida real, que são:

 #Usar a lógica, evitando toda e qualquer contradição, estar dentro da seqüência (o ontem, o hoje, o amanhã), descobrir qual é o sentimento, a emoção (ação interna), e qual é a ação externa, o que o personagem quer ou não quer que seja um objetivo atraente para despertar a imaginação.

#Para usar o que Stanislavski chama de “O mágico Se fosse”, basta perguntar a si mesmo: E se eu fosse o personagem? E se eu estivesse nessa situação e dentro dessas circunstâncias propostas pelo autor da peça? 

Se for usado com correção  “O mágico Se fosse” desperta a vontade de agir na cena, mas se for necessária uma maior motivação, procure se visualizar agindo no lugar do personagem, materialize os seus pensamentos na forma de uma visão interna, chegando a ver a si próprio agindo.



A Pantomima

Olá galera! A paz do Senhor!

Segue abaixo a aula que ministrei no treinamento que o Expressão de Louvor está passando nestes últimos dias. Este material fala sobre a pantomima (a história e a importância de se trabalhar com a pantomima). Espero que gostem

Grande abraço!

Pedro Rois

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A PANTOMIMA

1)     O QUE É?

Pantomima: espetáculo teatral sem palavras, em que os artistas contam histórias através da dança, da expressão facial e corporal, e comunica-se por meio de gestos ilustrativos desenhados no espaço. Tem, geralmente, fins cômicos..

VIDA – TEATRO (IMITA A VIDA) – PANTOMIMA (FERRAMENTA TEATRAL) – AÇÕES QUE IMITAÇÃO DA VIDA

AÇÃO: Fator mais importante do teatro.

DRAMA em grego significa ação

ÓPERA em latim significa agir

ATOR significa agente do ato, o que age.

Mímica - O pantomimo francês Marcel Marceau define a sua arte como a expressão de sentimentos por meio de atitudes e não como um meio de traduzir palavras através de gestos.

2)     HISTÓRIA

A pantomima era uma representação teatral com uma história narrada exclusivamente por meio da dança, exprimindo sentimentos e idéias através de imitações feitas com gestos e atitudes corporais.

Na Roma antiga, dois tipos de espetáculo praticaram a “mimesis” (imitação): o mimo e a pantomima. Os governantes tirânicos se preocupavam em proporcionar jogos e espetáculos sangrentos no Circo Romano. Imperava a política do “pão e circo”. Os espetáculos de “mimesis” (imitação): o “mimo” (espetáculos de mímica) e a “pantomima” (narração por meio de dança, exprimindo sentimentos e idéias através de gestos e expressão corporal). Com a palavra mimo designava-se tanto o ator quanto o próprio espetáculo cênico.   Um dos vários atores (mimos) representavam uma cena com movimentos corporais e faciais de caráter cômico, e quase sempre obsceno.

Os mimos imitavam o som de vários animais e fenômenos da natureza.   Havia especialistas em gestos com hábil articulação e revelando grande controle da expressão facial.  Em geral os espetáculos eram improvisados e os artistas considerados de baixo status social.

Os primeiros escritores cristãos associavam os mimos à degradação dos costumes romanos. No século V, a igreja excomungou todos os artistas desse gênero, e cem anos mais tarde o imperador Justiniano fecharia os teatros do império.   Mas o mimo sobreviveu como um baluarte do paganismo numa Europa dominada pela Igreja.   O próprio Moralismo de Justiniano não ia além dos decretos, pois se casou com Teodora, uma atriz.

O renascimento da mímica coincide com o auge da Commedia dell’Arte (séc. XVI), na qual as gesticulações se mesclavam com fantasias, máscaras e palavras pronunciadas por Arlequim e seus companheiros.

Essa mímica reúne elementos tanto do mimo (palavra) quanto da pantomima (máscara). Foram os italianos que popularizaram a mímica na Europa, criando companhias para atender a um interesse cada vez maior do público.

Os ruídos e coloridos espetáculos dos Arlequins, foram substituídos pelo silêncio mímico, ao qual se acrescentou, no séc. XIX, um leve acompanhamento musical que seguia os gestos, movimentos e expressões do ator, ajudando-o a transmitir pensamentos e emoções.

No séc. XX o centro dos espetáculos de mímica se transfere da Itália para a França. Étienne Decroux  elaborou a primeira gramática de expressão corporal, tornando-se o pioneiro do ressurgimento da pantomima.

Atualmente o mímico não precisa mais se apoiar apenas na intuição e na observação dos movimentos humanos.  Pesquisas sobre o comportamento físico,  realizadas por Rudolf Laban, traçam parâmetros para a atuação do mímico.  De acordo com ele a mímica reproduz movimentos do cotidiano, organizando-os em frases rítmicas, e usa uma linguagem que difere da simples reprodução de gestos convencionais, pois também  reflete estados emocionais e atitudes inconscientes.   A interação de gestos inconscientes e deliberados e de expressões emotivas pode ser analisada através da organização e escolha de seus componentes físicos - força, forma, tempo, posturas e transições e características- contrastando ou harmonizando com a estrutura funcional do movimento.

3)     Importância da preparação física para um bom desempenho teatral - Meyerhold

Vsevolod Emilievich Meyerhold (1874-1940) nasce na Rússia, e foi um grande teórico e prático do expressionismo. Trabalha inicialmente como ator e começa como diretor teatral em 1905, indicado por Stanislavski – de quem foi aluno e com quem trabalhou. Opôs-se ao realismo e ao tentar uma nova forma de fazer teatro esbarrou na falta de preparo de seus atores. Elaborou, então, um treinamento para o ator que ele chamou de biomecanismo.

Para Meyerhold o ator deve utilizar seu físico na interpretação, não ficando escravo do texto. Afirmava que o ator deve ser treinado por meio de exercícios físicos para ter agilidade, força, uma perfeita expressão corporal junto com uma técnica perfeita de representação.

Preso pela polícia stalinista após uma conferência teatral, em 1939, morre num campo de trabalhos forçados, provavelmente executado.

4)     Exercícios

               1.       “Atravessando cenas” 

                Objetivo: Desenvolver a expressão corporal.

·  Vegetação rasteira

·  Uma floresta de plantas devoradoras de gente.

·  Uma rua cheia de vidros quebrados. 

·  Uma estrada de asfalto grudento.

·  Um deserto escaldante.

               2.      Pantomimas de emoções.

            ·  alegre

·  distraído

·  bravo

·  exausto

            ·  triste

            ·  emburrado

            ·  mandão

            ·  malicioso

            ·  irritado

            ·  desconfiado

            ·  aborrecido

            ·  medroso

          3.      Gestos 

            ·  Abrir uma janela 

            ·  Colocar um sapato

            ·  Beber num copo 

            ·  Dirigir num carro

            ·  Fritar um ovo

            ·  Segurar um bebê

            ·  Ler a Bíblia

            ·  varrer

            ·  Arrumar uma cama

            ·  Lavar roupa

            ·  Andar apressado

           

               4.      Espelho.

Objetivo: Adquirir a interação do grupo nas cenas. 

Cada componente do grupo escolherá um parceiro, onde um será o espelho e o outro o comando.

O espelho deverá repetir os gestos e movimentos do comando como: pentear-se; pular; expressar caretas; abaixar; bater; palmas; rir; etc. Depois, o espelho passará a ser o comando.

               5.      Uma história em mímica

Um ator vai ao palco e conta, em mímica, uma pequena história. Um segundo ator observa enquanto os outros três não podem ver.

O segundo ator vai ao palco e reproduz o que viu, enquanto os outros dois não vêem: só o terceiro.

Vai o terceiro e o quarto observa, mas não o quinto.

Vai o quarto e o quinto observa.

Finalmente, vai o quinto ator e reproduz o que viu fazer o quarto ator.

Compara-se depois o que fez o primeiro: em geral, o quinto já não tem nada mais a ver com o primeiro. Depois, pede-se a cada um que diga em voz alta o que foi que pretendeu mostrar com a sua mímica. Esse exercício é divertidíssimo.

               6.      Personagem em trânsito.

Um ou mais atores entram em cena e realizam certas ações para mostrar  de onde  vêm o que fazem e para onde vão. Os outros devem descobrir tudo isso apenas através das ações físicos.